Os 10 bodegóns máis famosos e fermosos do mundo

Esta dirección de artes plásticas destacouse no século XNUMX en Holanda. Por suposto, os artistas pintaron antes obxectos inanimados, pero normalmente formaban parte da composición.

En Rusia, o xénero da natureza morta foi recoñecido moito máis tarde (no século XNUMX). Durante moito tempo considerouse inferior, percibida como unha produción formativa. Porén, aínda agora, para a maioría da xente, os bodegóns son unha forma de arte sen sentido, banal e pouco interesante.

Os artistas representan froitas, velas, flores, alimentos e outros obxectos, pero non teñen sentido estes cadros? Pola contra, está oculto tan profundamente que non todos os coñecedores da arte poderán atopalo. Á hora de crear bodegóns utilízanse símbolos e imaxes, cada un deles identifícase con diversas situacións e fenómenos vitais, sentimentos e emocións.

Durante catro séculos creáronse unha gran cantidade de pinturas deste xénero, pero entre elas pódense distinguir os bodegóns máis famosos.

10 "Lila", Pyotr Konchalovsky

fotografía "lila" situado no Museo de Arte de Letonia (Riga). Creado en 1951. Esta non é a única imaxe das fermosas flores do arbusto. Piotr Konchalovsky era un fan da planta, incluso se lle chamaba o "cantante lila". Ao longo da súa vida pintou máis de 40 fermosos bodegóns cunha temática semellante.

Nesta versión, as ramas lilas están nun frasco común nunha mesa sucia e áspera. Contraste. A obra foi creada ao comezo das represións estalinistas. Konchalovsky entendeu que a inxustiza reinaba no país. Pero as flores floreceron, e parece que o lenzo ten o seu propio cheiro: primavera e esperanza para o mellor. Contra todas as probabilidades.

9. "Ramo finlandés", Boris Kustodiev

Bodegón de flores de 1917, gardado no Museo Estatal da cidade de Arkhangelsk. Boris Kustodiev era un retratista talentoso, e “Ramo finlandés” pertence ao período Vyborg. Neste momento, o artista estaba en rehabilitación despois da cirurxía. O cadro foi pintado nun sanatorio. Representa plantas comúns: manzanilla, cardo, fento. O debuxo é sinxelo e sen complicacións, agrada á vista. Cando ves a imaxe, entendes que a felicidade é algo común. A beleza está preto, e para a verdadeira alegría necesitas moi pouco.

8. Cortina, xerra e froiteira de Paul Cezanne

“Cortina, xerro e froiteiro” – un dos cadros máis famosos e fermosos do xénero da natureza morta. Creado a finais dos anos 90 do século XIX. En 1999, foi vendido nunha poxa por un prezo récord de 60 millóns de dólares.

De feito, non podes pasar por diante desta imaxe. Atrae visualmente coas súas partes desequilibradas. As cores contrastan: a frialdade da xerra e a calor da froita. Grazas ás sutís transicións de cores, Cezanne conseguiu reproducir obxectos tridimensionais, tridimensionais.

7. "Bodegón", Kazimir Malevich

A imaxe foi creada en 1910. Situado no Museo Estatal Ruso. Malévich escribiuna durante o período de procuras creativas. Sentíase como un reformador, loitou contra o realismo e consideraba o clasicismo un fenómeno que quedara obsoleto. moitos dos seus “Bodegón” parece inusual: coma se se tratase dun debuxo inepto dun neno, e non dun artista experimentado.

No centro da obra hai un vaso branco con froitas, algunhas das cales están sobre a mesa. A imaxe é heteroxénea. As súas partes pertencen a diferentes estilos. Con esta fermosa obra, Malevich quixo demostrar que a realidade é secundaria (en relación coa forma pictórica). Incluso aquí pódese notar unha característica distintiva que é inherente a moitas obras de Kazimir Severinovich: o uso de cores brillantes, que se converteron nun símbolo da enerxía irrefreable do artista.

6. "Bodegón con caveira e pluma" de Pieter Claesz

"Bodegón con caveira e pluma" pódese ver no Metropolitan Museum of Art (Nova York). Foi creado en 1628. Pertence ao xénero vanitas (bodegóns dedicados á morte).

A imaxe é fermosa, pero dá medo. Unha caveira, un vidro envorcado, unha lámpada de aceite extinta: todos estes son símbolos da fugacidade da vida. Unha diferenza notable entre este cadro e moitos outros feitos nun xénero semellante é a limitada paleta. Claes utiliza varias cores e os seus matices, o que enfatiza a seriedade e tristeza da composición. Todo contemplador da imaxe entende que a vida rematará un día, o coñecemento e o viño son impotentes; nada axudará a unha persoa a gañar a eternidade...

5. "Jarrón de flores", Pierre-Auguste Renoir

A pintura está gardada no famoso Museo de Arte de Cambridge. Renoir especializada en retratos e escenas de xénero. As flores foron para el entretemento, relaxación. Hai unha versión de que o artista creou tales pinturas co propósito de gañar cartos, xa que se vendían ben.

"Jarrón con flores" escrito en 1866. O ramo de xardín habitual, que incluía as plantas máis comúns. As cores son brillantes. O motín de cores convértese nun recordatorio da beleza e abundancia da natureza. A combinación de cores é clásica, correcta. A harmonía e a paz son a mensaxe principal desta imaxe.

4. "Mazás e follas", Ilya Repin

Lona "Mazás e follas" situado no Museo Ruso (San Petersburgo). Ilya Efimovich creouna en 1879. A primeira vista, a imaxe pode parecer demasiado sinxela e sen complicacións: mazás sobre o fondo das follas. Iso é que a composición está feita tan maxistralmente que hai unha sensación de realismo. A imaxe é voluminosa e coma se estivese chea de aire, os máis pequenos detalles son coidadosamente debuxados. É brillante e expresiva.

A obra foi creada Repinar no auxe da súa popularidade. Nese momento da súa vida, ía ben tanto na súa carreira como na súa vida persoal. Tales circunstancias non podían menos que afectar o estado de ánimo do artista. Non é de estrañar que ao contemplar o lenzo xurdan emocións e sentimentos favorables.

3. Cesta de froitas de Michelangelo Caravaggio

“Cesta de froitas” Creado en 1596, gardado na Biblioteca Ambrosiana (Milán). Algúns historiadores da arte cren Michelangelo fundador do xénero da natureza morta.

A imaxe é o máis naturalista posible: a cesta está no bordo da mesa, está chea de froita. Os froitos foron arrincados xunto coas follas e xa son visibles os primeiros signos de murchadura. A falta de vida da composición enfatiza o ton: un mínimo de detalles.

Con esta imaxe, Caravaggio quixo mostrar o paso do tempo. A frescura exuberante é substituída pola decadencia e a morte, a inevitabilidade.

2. Cereixa de paxaro nun vaso, Kuzma Petrov-Vodkin

Unha das pinturas máis famosas do artista soviético. Creado en 1932. "Cereixa de paxaro nun vaso" situado no Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.

Unha rama de cereixa de paxaro está rodeada de obxectos espallados aleatoriamente. As cousas non teñen unha conexión visible entre si, pero a imaxe parece harmoniosa. Hai unha versión de que un conxunto de obxectos sen pretensións personifica a gravidade do período histórico durante o que se pintou o cadro. Petrov-Vodkin.

1. Xirasoles nun jarrón amarelo, Van Gogh

Van Gogh considerado un mestre da natureza morta. O artista creou toda unha serie de cadros dedicados aos xirasoles. O lenzo que nos interesa foi creado en 1888. Situado na National Gallery de Londres.

Na imaxe "Xirasois nun vaso amarelo" represéntase un vaso rústico áspero. É de tamaño pequeno e non hai espazo suficiente para os xirasoles, pero non só nun vaso, no espazo. Nada inusual: a beleza natural das cores e o brillo das cores. Para Van Gogh, o amarelo estaba asociado coa esperanza e a amizade, e o xirasol era para el un símbolo de gratitude.

De que trata esta imaxe? Sobre unha vida fermosa e tráxica. Flores, animais, persoas: todos os seres vivos acaban un día. Debo estar molesto por isto? Cada persoa ten a súa propia resposta a esta pregunta, pero non hai que dedicar minutos e horas preciosos ás preocupacións. Ninguén nin nada pode parar o tempo.