Contidos
A deusa do amor e da beleza no cadro de Botticelli está triste e afastada do mundo. O seu rostro triste chama a nosa atención. Por que non hai nela a felicidade, a alegría de descubrir e recoñecer o mundo? Que nos quería contar o artista? O psicoanalista Andrei Rossokhin e a crítica de arte Maria Revyakina examinan a pintura e cóntannos o que saben e senten.
«O AMOR CONECTA O TERRENAL E O CELESTIAL»
Maria Revyakina, historiadora da arte:
Venus, personificando o amor, está nunha cuncha de mar (1), que o deus do vento Céfiro (2) leva á beira. A cuncha aberta no Renacemento era un símbolo da feminidade e interpretouse literalmente como un útero feminino. A figura da deusa é escultórica, e a súa postura, característica das estatuas antigas, destaca a facilidade e a modestia. A súa imaxe inmaculada compleméntase cunha cinta (3) no seu cabelo, un símbolo de inocencia. A beleza da deusa é fascinante, pero parece pensativa e distante en comparación con outros personaxes.
No lado esquerdo da imaxe vemos un matrimonio: o deus do vento Zephyr (2) e a deusa das flores Flora (4)entrelazados nun abrazo. Zephyr personificou o amor terrestre e carnal, e Botticelli realza este símbolo representando a Zephyr coa súa muller. No lado dereito da imaxe está representada a deusa da primavera, Ora Tallo. (5), simbolizando o amor casto e celestial. Esta deusa tamén estivo asociada coa transición a outro mundo (por exemplo, co momento do nacemento ou da morte).
Crese que mirto, guirlanda (6) dende o que vemos no seu pescozo, sentimentos eternos personificados, e a laranxeira (7) estaba asociado coa inmortalidade. Así, a composición da imaxe apoia a idea principal da obra: sobre a unión do terreal e do celestial a través do amor.
A gama cromática, onde predominan os tons azuis, confire á composición ligereza, festividade e ao mesmo tempo frialdade.
Non menos simbólica é a gama de cores, dominada polos tons azuis, que se converten en tons gris turquesa, o que lle confire á composición ligereza e festividade, por unha banda, e certa frialdade, por outra. A cor azul naqueles tempos era típica das mozas casadas (están rodeadas por un matrimonio).
Non é casual que haxa unha gran mancha de cor verde no lado dereito do lenzo: esta cor estaba asociada tanto coa sabedoría e a castidade, como co amor, a alegría, o triunfo da vida sobre a morte.
Cor do vestido (5) Ory Tallo, que se esvaece do branco ao gris, non é menos elocuente que o ton vermello púrpura do manto. (8), coa que vai cubrir a Venus: a cor branca personificaba a pureza e a inocencia, e o gris interpretábase como símbolo da abstinencia e da Gran Coresma. Quizais a cor do manto simboliza aquí o poder da beleza como forza terrestre e o lume sagrado que aparece cada ano en Pascua como forza celestial.
«A ADMISIÓN DA BELEZA E A DOR DA PERDA»
Andrey Rossokhin, psicanalista:
Chama a atención o enfrontamento oculto na imaxe dos grupos esquerda e dereita. O deus do vento Céfiro sopra Venus dende a esquerda (2)representando a sexualidade masculina. Á dereita atópase a ninfa Ora cun manto nas mans. (5). Cun xesto maternal coidadoso, quere botarlle unha capa sobre Venus, como para protexela do vento sedutor de Zephyr. E é como loitar por un recén nacido. Mira: a forza do vento vai dirixida non tanto ao mar nin a Venus (non hai ondas e a figura da heroína está estática), senón a este manto. Zephyr parece estar intentando evitar que Ora esconda Venus.
E a propia Venus está tranquila, como conxelada no enfrontamento entre dúas forzas. A súa tristeza, o desapego do que está a suceder chama a atención. Por que non hai nela a felicidade, a alegría de descubrir e recoñecer o mundo?
Vexo nisto unha premonición de morte inminente. Principalmente simbólico: renuncia á súa feminidade e sexualidade por mor do poder materno divino. Venus converterase na deusa do pracer amoroso, que ela mesma nunca experimentará este pracer.
Ademais, a sombra da morte real tamén cae sobre o rostro de Venus. A dama florentina Simonetta Vespucci, que supostamente pousou para Botticelli, era o ideal de beleza daquela época, pero morreu de súpeto aos 23 anos por mor do consumo. A artista comezou a pintar "O nacemento de Venus" seis anos despois da súa morte e involuntariamente reflectiu aquí non só a admiración pola súa beleza, senón tamén a dor da perda.
Venus non ten opción, e este é o motivo da tristeza. Non está destinada a experimentar atracción, desexo, alegrías terreais
Roupa de Ora (5) moi semellante á roupa de Flora do cadro «Primavera», que actúa como símbolo de fertilidade e maternidade. Esta é a maternidade sen sexualidade. Esta é a posesión do poder divino, non a atracción sexual. Tan pronto como Ora cobre a Venus, a súa imaxe virxinal converterase inmediatamente nunha nai divina.
Incluso podemos ver como o bordo do manto se converte nun gancho afiado por parte do artista: arrastrará a Venus a un espazo pechado da prisión, marcado por unha empalizada de árbores. En todo isto, vexo a influencia da tradición cristiá: o nacemento dunha nena debe ir seguido dunha concepción e maternidade inmaculadas, evitando a etapa pecaminosa.
Venus non ten máis remedio, e este é o motivo da súa tristeza. Non está destinada a ser unha amante da muller, como a que se eleva no voluptuoso abrazo de Zephyr. Non destinado a experimentar atracción, desexo, alegrías terreais.
Toda a figura de Venus, o seu movemento vai dirixido cara á nai. Un momento máis, e Venus sairá da cuncha, que simboliza o útero feminino: xa non a necesitará. Posará o pé nai terra e vestirá a súa nai. Envolverase cunha túnica roxa, que na antiga Grecia simbolizaba a fronteira entre os dous mundos: nela estaban envoltos tanto os recentemente nados como os mortos.
Así está aquí: Venus nace para o mundo e, apenas conseguiu atopar a feminidade, o desexo de amar, perde ao instante a súa vida, o principio vivo, o que simboliza a cuncha. Un momento despois, ela seguirá existindo só como unha deusa. Pero ata este momento, vemos na imaxe á fermosa Venus na flor da súa pureza virxinal, tenrura e inocencia.